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3- James McNeill Whistler
Lowell, Massachusetts, EUA, 11 de julio de 1834 - Londres, 17 de julio de 1903.
Hijo de George Washington Whistler y de Anna Matilda McNeill.
Unido a los movimientos simbolista e impresionista, desarrolló la mayor parte de su carrera en Francia e Inglaterra y destacó como retratista y grabador.
Whistler hacia 1847– 49
En 1842, su padre, ingeniero en la construcción del ferrocarril de San Petersburgo, en el Imperio ruso, llevó allí a su familia y Whistler hijo se matriculó en la Academia Imperial de las Artes, donde, además, aprendió francés, pero siendo el futuro artista, muy pequeño todavía, se fueron a vivir a Londres, donde permanecieron hasta que falleció su padre, en 1849, año en que James y su madre se instalaron en Pomfret, Connecticut. Allí se matriculó en la escuela local, hasta que, en 1851 se inscribió en la Academia Militar de West Point, donde su padre había sido profesor de dibujo y cartografía. Finalmente volvió a su casa en 1854.
En 1855, heredó algún dinero que le permitió estudiar pintura en París y en 1856, se matriculó en el estudio de Charles Gleyre, que por entonces era el taller más famoso después del de Thomas Couture. Entre otros estudiantes que preparaban el ingreso en la Escuela de Bellas Artes al mismo tiempo que él, estaban Monet, Renoir, Sisley y Bazille.
Monet – Renoir - Sisley - Bazille
Considerado por todos más "dandi" que "bohemio", según se dice, fué tema para muchas caricaturas, llegando a denunciar la burla en alguna ocasión, en la que ganó el proceso.
Por la misma época se hizo amigo de Alphonse Legros y Henri Fantin-Latour; pensando en la posibilidad de desarrollar una carrera juntos, fundaron la llamada "Sociedad de Tres".
Legros – Fantin.Latour - Whistler
En 1859, Whistler volvió a Londres, donde pasó una buena parte de su vida, haciéndose pasar por un aristócrata arruinado del sur, a pesar de que nunca mostró simpatía por los sureños en la guerra civil americana.
Descubrió a Velázquez y a la pintura española, introducida en el Museo del Louvre por Luis Felipe I, y decidió viajar a Madrid para admirar la obra del maestro, aunque el viaje terminó en Guetaria, a pesar de lo cual, la influencia de Velázquez es evidente en muchos de sus cuadros.
Whistler también se interesó por la pintura del Lejano Oriente y coleccionó porcelanas, telas orientales, y grabados en madera usados para imprimir tejidos, como Dante Gabriel Rossetti.
En 1863, Napoleón III dio su aprobación a la apertura del Salon des Refusés/Salón de Rechazados, en un ala del Palacio de la Industria, en el que triunfaron dos obras: El Desayuno en la hierba, de Manet y La dama de blanco, de Whistler, que había sido rechazado el año anterior por la Real Academia de Londres.
Édouard Manet: Déjeuner sur l’herbe, 1863. Musée d’Orsay
Symphony in White no 1 -The White Girl - Sinfonía en Blanco nº 1, o la Joven en Blanco. James McNeill Whistler, 1862. Retrato de Joanna Hiffernan NGA, Washington
La Joven en blanco, provocó controversia durante su exposición en Londres y, después, en el Salón de los Rechazados de París. Algunos querían ver a Whistler como un médium o como el espíritu de otros, agrupados en la Hermandad prerrafaelista de Dante Gabriel Rossetti, con quien tenía amistad. Sin embargo, para el pintor esta pintura resumía su teoría de que el arte debe preocuparse esencialmente por la armonía del color, no por la representación real del mundo. Whistler adoptó el título de Sinfonía en blanco, porque se aproximaba más a su enfoque. La modelo que posó para este cuadro, Joanna Hiffernan, también posaba para Gustave Courbet. Este último pintó su retrato en el invierno de 1861-62 en su estudio del bulevar Pigalle, en París.
Whistler es, como sabemos, el tercer personaje presente en el Homenaje a Delacroix, que Henri Fantin-Latour pintó en 1864.
En 1866, participó en un negocio de tráfico de armas durante la guerra entre España y Chile.
Philips Walter Greaves: James Abbott Mcneill Whistler, con el antiguo puente Battersea y la taberna “The Swan” al fondo. 1869
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En 1870, Whistler pintó retratos de cuerpo entero del armador británico Frederick Richards Leyland y de su esposa, Leyland le encargó entonces la decoración del comedor de su mansión y de ello resultó "Armonía en azul y oro: The Peacock Room", que se encuentra en la Galería Freer, de Washington.
Diseñó y pintó la habitación en verde brillante y azul, decorado con pan de oro; se considera un destacado ejemplo del estilo anglo-japonés y de hecho, el artista se inspiró en la porcelana azul y blanca que copió del catálogo de Sir Henry Thompson, así como en las porcelanas que Leyland coleccionaba.
Una vez terminada la obra, el artista y su patrocinador discutieron tan ferozmente por los emolumentos del trabajo, que se enemistaron para siempre, pero Whistler volvió en secreto y pintó dos pavos reales luchando. La escena se supone que representa al artista y a su patrocinador: uno ostenta un pincel y el otro una bolsa de dinero...
Toda la obra sería después adquirida por el industrial y amante del arte, Charles Lang Freer, que reunió una notable colección de obras de Whistler. Numerosas cartas cruzadas entre el industrial y el artista, posteriormente publicadas revelan el gran interés del artista por ver su obra reunida en los Estados Unidos.
Frederick Richards Leyland - James Abbott McNeill Whistler
Whistler escribiría a Frederick Richards Leyland, magnate de la industria naval inglesa y coleccionista de obras de arte:
"Ah! te he hecho famoso, mi trabajo vivirá cuándo tú hayas sido olvidado. Y posiblemente con suerte, en épocas venideras, sólo serás recordado por ser el propietario de la Habitación del Pavo Real."
Chelines de plata se extienden por debajo de los pavos reales y cubren una pared de cuero, debajo, sobre pintura azul de Prusia. -Leyland, sería el pavo de la derecha-.
Whistler concibió el salón también como el emplazamiento ideal para uno de sus cuadros: La princesa de la tierra de porcelana - The Princess from the Land of porcelain, que sería colocada en el lugar de honor, sobre la chimenea.
Whistler había pintado la "Princesa" doce años antes, cuando vivía en plena pasión por la porcelana azul y blanca de China. Pensaba que la porcelana era "una de las formas superiores del arte" y en torno al cuadro de "La Princesa" volcó toda su creatividad, hasta el extremo de que diseñó un costoso tapiz de cuero dorado para crear un panel índigo sin interrupciones sobre las estanterías, ahora pintadas de dorado. Al terminar, la sala quedó completamente cubierta por sus diseños, pero ya no quedaba nada de su anterior decoración.
Exceptuando las paredes de azul verdoso, todas las superficies brillaban con tonos de cobre y dorado; incluso los espacios semiocultos de la estantería mostraban una textura parecida a la de un tapiz, para resaltar las superficies lisas de la porcelana. Whistler imaginó la Sala de los pavos reales, como una pintura tridimensional a gran escala: una obra de arte… a la que se entra por una puerta.
El efecto estético general resultó sorprendente, parecía una preciosa caja lacada japonesa. Con esta obra, ya no quedaron dudas, Whistler, dejó afianzado su ya reconocido prestigio.
Armonía en azul y oro
Aunque Whistler no valoraba excesivamente la naturaleza, admitía que podía ser una fuente de inspiración para diseños, motivos y combinaciones de colores etc. Sin embargo, para pintar sus aves exóticas, se basó en obras de arte, no en la naturaleza. Las magníficas aves de tamaño natural que adornan la sala del suelo al techo, evocan los grabados de aves y flores del artista japonés Hiroshige, maestro del paisaje japonés, y los dos pavos reales dorados que adornan la pared opuesta a la de "La princesa" fueron copiados por Whistler, de los pájaros ornamentales que tanto había observado en jarrones japoneses.
En todo caso, esta última, es considerada la obra maestra de Whistler en arte mural decorativo de interior.
En las paredes y contra ventanas se aprecia claramente, la ambigüedad entre fondo y figura, la disposición asimétrica de llenos y vanos, la combinación de elementos abstractos y figurativos, la distribución espacial, algo, en fin, muy novedoso, que nada tenía que ver con la sensibilidad pictórica hasta entonces valorada en Europa.
Whistler trabajó en esta obra inmensa entre 1876-77 y, actualmente, se considera el mejor ejemplo del estilo Anglo-Japones y pionera en el vanguardismo de las primeras décadas del siglo XX.
Whistler pudo al fin, plasmar su deseo de lograr una estética que lo abarcara todo, pero Leyland no pensaba igual y se negó a pagar la obra.
Después de la muerte de Leyland, Charles Lang Freer, otro magnate de Estados Unidos, fabricante de coches para el ferrocarril americano, compró la “Princesa de la tierra de la porcelana”, y en 1904, “La habitación del Pavo Real” que hizo colocar en su mansión de Detroit -USA.
Tras el fallecimiento de Freer en 1919, tanto la habitación, como la pintura y sus cerámicas preciosas, fueron legadas a la Institución Smithsonian en Washington, cuya Galería se abrió al público en 1923.
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En 1888, Whistler se casó con Beatriz, viuda de E.W. Godwin; el matrimonio duró cinco años que fueron muy felices, pero Beatriz murió por enfermedad, quedando el pintor muy afectado. Con ella no tuvo hijos, pero ya antes había tenido varios hijos ilegítimos con algunas amantes; el más conocido de ellos fue Charles Hanson.
Whistler murió el 17 de julio de 1903 y está enterrado en la Iglesia de Saint Nicholas, en el barrio londinense de Chiswick.
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Whistler, por William Merritt Chase, 1885
Whistler era muy conocido por su agudo ingenio, siendo muy famosos sus intercambios con su amigo Oscar Wilde. Ambos eran conocidas figuras de la sociedad parisina de finales del siglo XIX. Se dice que el entonces joven Oscar Wilde, invitado por Whistler a una cena, fue objeto de un comentario irónico de su anfitrión, a lo que Wilde respondería: “Me gustaría haberlo dicho yo”, y que Whistler respondió: “¡Lo harás, Oscar, lo harás!”.
Wilde repetiría en público muchas frases ingeniosas de Whistler, sin embargo, cuando se hizo público en 1895 que Oscar Wilde era homosexual, Whistler se burló de él. La amistad entre ellos terminó definitivamente hacia 1889, aunque, parece que, en realidad, nunca se había basado sino en su interés común por el arte; en la común aversión-atracción hacia las convenciones burguesas y en la inclinación de ambos por las ocurrencias de carácter ingenioso e incisivo. Dado que Whistler era 20 años mayor que Wilde, al principio se trataron como maestro y discípulo, pero cuando Wilde se atrevió a criticar negativamente unas conferencias de Whistler, éste le atacó con rotundo sarcasmo.
En 1878, Whistler también demandó al crítico John Ruskin, por difamarle con unos comentarios despectivos sobre su obra Nocturno en negro y oro: el cohete cayendo, de 1874:
"He visto y escuchado muchas insolencias.., pero nunca esperé ver pedir doscientas guineas por arrojar un bote de pintura en la cara del público".
En el juicio, el abogado de Ruskin preguntó a Whistler:
-“¿Cúanto tiempo empleó en pintar Nocturno en negro y oro?”.
–“La mitad de un día”-, dijo Whistler.
-“Y, sin embargo”, continuó el abogado, -“¿Pretende cobrar doscientas guineas por medio día de trabajo?
-“¡No, sino por la experiencia de toda una vida! -respondió el pintor, que ganó el proceso, pero recibió una compensación simbólica -parece que un cuarto de penique-. Para entonces, el artista ya había gastado mil libras en aquel proceso y aún tenía que pagar las costas. Pero su reputación de creador independiente y espíritu libre, creció enormemente.
Nocturno en negro y oro: el cohete cayendo (1874)
Pero aquel gasto, más las enormes deudas contraídas para construir su residencia, “La Casa Blanca”, en Chelsea, llevaron a Whistler a la quiebra.
Por entonces, un periódico holandés anunció su muerte a causa de un ataque al corazón; el artista, siempre incisivo, escribió al diario, declarando que la lectura de su propio obituario le había provocado “un suave resplandor de salud”.
Whistler conoció, trató y admiró al gran “paisajista nocturno”, John Atkinson Grimshaw (1836-1893), con el que trabajó en su estudio de Chelsea, y con respecto a su arte, declaró -a pesar de su pretendida soberbia-: "Me consideraba el inventor de los nocturnos hasta que vi las imágenes iluminadas por la luna de Grimmy".
A Wet Moon. Putney Road. Atkinson Grimshaw 1886.
Y, también a pesar de aquella soberbia y mal carácter, Whistler fue un artista, reconocido mundialmente, en vida:
-En 1884 fue elegido miembro honorario de la Real Academia de Bellas Artes de Múnich.
-En 1892, fue nombrado Oficial de la Legión de Honor, en Francia.
-En 1898 fue Miembro fundador y primer presidente de la Sociedad Internacional de Escultores, Pintores y Grabadores.
Algunos críticos creen que Whistler fue el modelo de uno de los personajes más conocidos de En busca del tiempo perdido, de Marcel Proust: concretamente, el pintor llamado Elstir, cuyo nombre, incluso, sería casi un anagrama de Whistler.
Después del proceso contra Ruskin, todo lo que Whistler mencionaba o escribía en su trabajo, y más aún, lo que decía, tenía por objetivo declarado poner distancia entre su obra, su persona, y la escuela inglesa de pintura, además de cortar toda relación con los académicos y artistas británicos que había conocido en la década de 1860.
A pesar de su decidida intención de demostrar que no pertenecía a ninguna escuela, fue sin duda uno de los pintores victorianos que más revitalizaron la pintura británica. Su influencia fue trascendental, y es objeto de exposiciones y numerosas publicaciones. Durante un viaje a Venecia, en 1880, donde iba a realizar una serie de grabados, no sólo recuperó sus finanzas, sino que provocó y estimuló una nueva forma de mirar para los artistas y fotógrafos que allí acudieron.
Whistler estaba convencido de que el arte debía basarse en la armonía de los colores; algo que le atrajo muchas críticas, pero, finalmente, se convirtió en un precursor del arte abstracto. Buscaba la armonía de la forma y el color, y quería crear un arte basado en las leyes específicas de la composición, en la que dominara el dibujo. Lo expresó claramente: “El arte es la ciencia de la belleza”.
Considerado,además,como el creador del impresionismo inglés, concebía la pintura como experiencia estética pura, más allá de los valores de la representación y los enfoques culturales de los simbolistas de los años 1880 y 90. Sus contemporáneos compararon su noche y sus sinfonías pictóricas con algunas sutiles variaciones de la música de Wagner.
La casa en la que nació es, en la actualidad, el Museo Whistler.
Muchas de sus obras resultaron controvertidas y fue una figura clave en el movimiento esteticista. Ilustró Les Chauves-Souris con Antonio de La Gándara, uno de sus muchos amigos, entre los que destacaban impresionistas, incluído Édouard Manet.
[El pintor Antonio de la Gándara era sobrino nieto de María Francisca de la Gándara de Calleja, Virreina de la Nueva España. Fue retratado por Vicente López Portaña. Hacia 1900, ya como Caballero de la Orden de Isabel la Católica y oficial de la Legión de Honor, Antonio de La Gándara estaba en el apogeo de su gloria, siendo su obra buscada en Europa y Estados Unidos. Émile Verhaeren veía en ella la influencia de Chardin, mientras que James McNeill Whistler -su amigo-, creía discernir en su obra, la influencia de su propia pintura.]
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Los historiadores del arte suponen que la pintura de carácter erótico de Courbet, titulada El origen del mundo, de 1866, supuso el fin de la amistad entre los dos artistas.
Cabeza –recientemente identificada-, de la modelo irlandesa Joanna Hiffernan, que Courbet habría separado de su obra “Origen del mundo”.
Variaciones en violeta y verde, 1871, Museo de Orsay, París.
El artista aplicó también la técnica de los grabados japoneses para representar el río Támesis, a la vez que se iba internando en un impresionismo todavía no del todo fraguado.
También se empleó en la creación de numerosas litografías y grabados a la punta seca; retratos, escenas del Támesis, del Faubourg Saint-Germain, o de las iglesias georgianas del Soho y Bloomsbury, en Londres. Los grabados son, en su mayor parte, retratos de la familia o de sus amantes y, en ocasiones, escenas de la calle, en Londres y en Venecia.
Acorde con su proyecto de encontrar un paralelo entre la pintura y la música, Whistler tituló muchas de sus pinturas “arreglo”, “armonía”, “nocturno”, etc. recalcando la prioridad de la armonía tonal. En este sentido, su pintura más famosa es “Arreglo en gris y Negro Nº 1”, más conocida como la madre de Whistler.
Arreglo en gris y negro n 1 (1871), La madre de Whistler,
de James McNeill Whistler, en el Museo de Orsay de París
Se trata de una composición sin decorados, y fue adquirida por el gobierno francés en 1891, que actualmente la exhibe en el Museo de Orsay.
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La estética de Whistler se expresaba en el mismo lenguaje artístico-literario que Courbet y que Charles Baudelaire.
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James McNeil Whistler: Autorretrato
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