El “GRITO” de MUNCH –Segunda Parte. Bio-Galería
Recordemos que, El grito, existe en cuatro versiones: dos pasteles (1893 y 1895) y dos pinturas (1893 y 1910). También hay varias litografías, de 1895 y posteriores.
El pastel de 1895 se vendió en una subasta el 2 de mayo de 2012 por 119.922.500 USD, incluida la comisión de venta. Es la más colorida de las versiones y se distingue por la postura mirando hacia abajo de una de sus figuras de fondo. También es la única versión que no está en manos de un museo noruego.
La versión de 1893 fue robada de la Galería Nacional de Oslo en 1994 y luego recuperada. La pintura de 1910, fue robada en 2004 del Museo Munch de Oslo, pero se recuperó en 2006 con daños limitados.
El grito es, pues, la obra más famosa de Munch y una de las pinturas más reconocibles de toda la historia del arte. Se ha interpretado generalmente, que representa la ansiedad universal del hombre moderno. Pintada con amplias franjas de color chillón, formas muy simplificadas, y empleando un punto de vista alto, reduce la figura agonizante a un cráneo ataviado en medio de una crisis emocional.
Con esta pintura, Munch cumplió su objetivo declarado "del estudio del alma, es decir, el estudio de mí mismo". Más tarde describió la angustia personal detrás de la pintura: "durante varios años estuve casi loco… ¿Conoces mi cuadro, 'El Grito?' Estaba en tensión, hasta el límite: la naturaleza gritaba en mi sangre... Después de eso, perdí la esperanza de poder volver a amar".
En 2003, al comparar la pintura con otras grandes obras, la historiadora del arte Martha Tedeschi escribió:
"La madre de Whistler, el Gótico americano de Wood, la Mona Lisa de Leonardo da Vinci y El grito de Edvard Munch han logrado algo que la mayoría de las pinturas, independientemente de su importancia histórica artística, belleza o valor monetario, no han logrado: comunican un significado específico casi de inmediato a cada espectador. Estas pocas obras han hecho con éxito la transición del ámbito de la élite visitante de museos al enorme lugar de la cultura popular."
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El Friso de la vida: un poema sobre la vida, el amor y la muerte
Desde aquí no hay más que un pequeño paso hacia el estilo completamente nuevo que Munch desarrollaría en el Friso de la vida, en que destacarían cuadros como Pubertad, que refleja por primera vez una asociación entre miedo y sexualidad; Melancolía, serie sobre la plenitud, y el fin del amor, o Celos.
Munch termina con estos ciclos del Friso en el año 1900 y empieza a exponerlos en 1902 y en 1905 en Praga, intentando plasmar un terreno más tradicional. Retratos, paisajes y pinturas de estudio le preocupan cada vez más.
El Friso de la vida es una compilación de obras clave de Edvard Munch, en su mayoría pintadas en la década de 1890. Munch describió el friso como una "poesía sobre la vida, el amor y la muerte", con la que también nombró los temas centrales de su obra. El friso no incluye un número de obras claramente definido. Munch pintó muchos motivos varias veces y las imágenes resultantes no se pueden combinar en un ciclo uniforme en términos de tamaño, forma o motivo. Más bien, el término, que no se estableció hasta 1918, es un título para varias combinaciones de imágenes que hizo Munch a partir de 1893. Con el tiempo, los motivos se expandieron desde el tema original del amor a todos los aspectos de la vida humana.
Estudio para una serie "Amor"
En un texto de 1918, en el que acuñó por primera vez el término, Lebensfrieze para la compilación de sus obras centrales, Munch afirmó que las primeras notas sobre la idea de tal ciclo pictórico se remontaban a la década de 1880. Primero expuso su friso en 1892 en Kristiania, después, Oslo. Sin embargo, estas declaraciones no pueden probarse. La primera compilación comprobada de seis pinturas bajo el título de Estudio para una serie "Amor" tuvo lugar en diciembre de 1893 en Berlín en un espacio de exposición alquilado en Unter den Linden. Eran, La Voz, El Beso, Vampiro, Madonna, Melancolía y El Grito. Según Hans Dieter Huber, el orden de las imágenes cuenta una historia de amor, desde la atracción de los sexos en una noche de verano, un beso y el robo de los poderes del hombre, hasta el resplandor de la mujer en plena floración y el hundimiento del hombre en la melancolía hasta el miedo final de la vida.
Estudios sobre un estado de ánimo "Amor"
En octubre de 1894, la mayor exposición individual de Edvard Munch hasta la fecha tuvo lugar en la Sociedad de Arte de Estocolmo. Presentó sus obras en un total de cinco secciones, la última de las cuales se tituló Estudios sobre un estado de ánimo Serie "Amor". En él exhibió 14 pinturas y una viñeta basada en el motivo de la melancolía, que Munch había diseñado para la colección de poemas Alruner de su amigo Emanuel Goldstein. Deja que la historia de amor comience en la naturaleza y termina con El Grito. Algunos motivos se duplican y, por lo tanto, varían para el espectador, lo que rompe con la linealidad de la narrativa pictórica. Las novedades de la serie son La mujer en tres etapas, Cenizas, Metabolismo, Manos, Noche estrellada, La niña y la muerte, Ojo a ojo y Ansiedad.
En marzo de 1895, en otra exposición en Berlín, el ciclo existe bajo el título Serie: Amor (1-14) pues hay 14 pinturas. El orden ahora es: Misticismo de playa, Voz, Beso, Vampiro, dos versiones de Madonna, La mujer en tres etapas, Desprendimiento, Manos, dos versiones de Melancolía seguidas de Desesperación y Llorar.
Representación de una serie de imágenes de la vida.
La palabra "friso" en lugar de "serie" fue utilizada por Munch por primera vez en 1902 en la quinta exposición de la Secesión de Berlín, donde se tituló Friso, en la sala de esculturas, la representación de una serie de cuadros de la vida, con toda una sala a disposición de sus cuadros. En correspondencia con las cuatro paredes de la sala, Munch dividió un total de 22 obras en cuatro secciones:
1-Germinación del amor: Noche estrellada, Rojo y blanco, Ojo a ojo, Baile en la playa, El beso, Madonna.
2-Florecimiento y muerte del amor: Cenizas, Vampiro, La danza de la vida, Celos, La mujer en tres etapas, Melancolía.
3-Miedo a la vida: Miedo, Tarde en la puerta de Karl Johan, Vino tinto salvaje, Gólgota, El grito
4-Muerte: En el lecho de muerte, Muerte en la habitación del enfermo, Olor a cadáver, Metabolismo, El niño y la muerte.
Según Hans Dieter Huber, la secuencia aún sugiere una narrativa lineal que va desde el primer encuentro del hombre y la mujer, el florecimiento y desvanecimiento de su amor hasta el miedo, la desesperación, la enfermedad y la muerte. Solo con el motivo bíblico, hombre y mujer/metabolismo, Munch comenzó a describir la vida como un ciclo. La exposición de 1902 fue la última presentación conjunta importante del friso durante la vida de Munch antes de que la colección se dispersara y liquidara a través de las ventas.
Munch a menudo usa sombras y anillos de color alrededor de sus figuras para enfatizar un aura de miedo, amenaza, ansiedad o intensidad sexual. Estas pinturas han sido interpretadas como reflejos de las inquietudes sexuales del artista, aunque también se podría argumentar que representan su turbulenta relación con el amor mismo y su pesimismo general sobre la existencia humana. Muchos de estos bocetos y pinturas se realizaron en varias versiones, como Madona, Manos y Pubertad, y también se transcribieron como grabados en madera y litografías.
Munch odiaba separarse de sus pinturas porque pensaba en su obra como un solo cuerpo de expresión. Entonces, para capitalizar su producción y obtener algunos ingresos, recurrió a las artes gráficas para reproducir muchas de sus pinturas, incluidas las de esta serie. Admitió los objetivos personales de su obra, pero también ofreció su arte a un propósito más amplio: "Mi arte es realmente una confesión voluntaria y un intento de explicarme a mí mismo mi relación con la vida; por lo tanto, es en realidad una especie de egoísmo, pero tengo la esperanza constante de que a través de esto pueda ayudar a otros a lograr más claridad".
Mientras atraía reacciones fuertemente negativas, en la década de 1890, Munch empezó a recibir cierta comprensión de sus objetivos artísticos, como escribió un crítico: "Con un desprecio despiadado por la forma, la claridad, la elegancia, la totalidad y el realismo, pinta con la fuerza intuitiva del talento, visiones sutiles del alma.” Uno de sus grandes partidarios en Berlín fue Walther Rathenau, más tarde ministro alemán de Relaciones Exteriores, quien contribuyó enormemente a su éxito.
París, Berlín y Kristiania
En 1896, Munch se trasladó a París, donde se centró en las representaciones gráficas de sus temas del Friso de la vida. Desarrolló aún más su técnica de la xilografía y la litografía. El Autorretrato con brazo esquelético, (1895) está hecho con un método de aguafuerte con aguja y tinta que también usó Paul Klee.
Munch también produjo versiones multicolores de The Sick Child, sobre la tuberculosis, que se vendieron bien, así como varios desnudos y múltiples versiones de Kiss (1892).
En mayo de 1896, Siegfried Bing realizó una exposición de la obra de Munch dentro de la Maison de l'Art Nouveau de Bing. La exposición mostró 60 obras, incluidas, El beso, El grito, Madonna, El niño enfermo, La cámara de la muerte y El día después.
La exposición de Bing ayudó a presentar a Munch a la audiencia francesa. Aun así, muchos de los críticos parisinos todavía consideraban su trabajo como "violento y brutal", incluso cuando sus exposiciones recibieron una gran atención y una buena asistencia.
Su situación económica mejoró considerablemente y, en 1897, Munch se compró una casa de verano frente a los fiordos de Kristiania; una pequeña cabaña de pescadores construida a finales del siglo XVIII, en el pequeño pueblo de Åsgårdstrand en Noruega. Llamó a esta casa la "Casa Feliz" y volvió allí casi todos los veranos durante los siguientes 20 años; lo extrañaba cuando estaba en el extranjero y cuando se sentía deprimido y agotado. Decía al respecto: "Pasear por Åsgårdstrand es como caminar entre mis cuadros: me inspiro mucho para pintar cuando estoy aquí".
En 1897, Munch regresó a Kristiania, donde también recibió una aceptación a regañadientes; un crítico escribió: "Una buena cantidad de estas imágenes se han exhibido antes. En mi opinión, mejoran con el conocimiento".
En 1899, Munch inició una relación íntima con Tulla Larsen, una mujer de clase alta "liberada". Viajaron juntos a Italia y al volver, Munch inició otro período fértil en su arte, que incluyó paisajes y su pintura final de la serie "El friso de la vida", La danza de la vida (1899). Larsen estaba ansiosa por casarse, pero Munch mucho menos. Su consumo de alcohol y su mala salud reforzaron sus temores, como escribió en tercera persona: "Desde que era niño había odiado el matrimonio. En su hogar, enfermo y nervioso, le había dado la sensación de que no tenía derecho a casarse". Munch estuvo a punto de ceder ante Tula, pero huyó de ella en 1900, alejándose también de su considerable fortuna, y se trasladó a Berlín. Su Chicas en el embarcadero, creada en 18 versiones diferentes, demostró el tema de la juventud femenina sin connotaciones negativas.
En 1902, exhibió sus obras temáticamente en el salón de la Secesión de Berlín, produciendo "un efecto sinfónico, que causó un gran revuelo, mucho antagonismo y mucha aprobación". Los críticos de Berlín empezaron a apreciar la obra de Munch a pesar de que el público todavía encontraba su trabajo extraño.
La buena cobertura de prensa, atrajo la atención de patrocinadores influyentes como Albert Kollman y Max Linde. Describió el giro de los acontecimientos en su diario: "Después de 20 años de lucha y miseria, las fuerzas del bien finalmente vienen en mi ayuda en Alemania, y se abre una puerta brillante para mí".
Sin embargo, a pesar de este cambio positivo, su comportamiento autodestructivo y errático lo llevó primero a una violenta pelea con otro artista, luego a un disparo accidental en presencia de Tulla Larsen, que había regresado para una breve reconciliación, y que le hirió en dos dedos. Más tarde, Munch cortó por la mitad un autorretrato que lo representaba a él y a Larsen, como consecuencia del tiroteo y los acontecimientos posteriores.
Ella finalmente lo dejó y se casó con un colega más joven. Munch tomó esto como una traición, y se concentró en la humillación durante algún tiempo, canalizando parte de la amargura en nuevas pinturas. Sus pinturas Naturaleza muerta -La asesina-, y La muerte de Marat I, realizadas entre 1906 y 1907, hacen referencia clara al incidente del tiroteo y las secuelas emocionales.
En la temporada 1903-04, Munch expuso en París, donde los próximos fauvistas, famosos por sus audaces colores, probablemente vieron sus obras y podrían haber encontrado inspiración en ellas. Cuando los Fauves realizaron su propia exposición en 1906, Munch fue invitado y exhibió sus obras con las de ellos. Después de estudiar la escultura de Rodin, Munch, pudo haber experimentado con arcilla como ayuda para el diseño, pero produjo pocas esculturas. Durante este tiempo, recibió muchos encargos de retratos y grabados que mejoraron su condición financiera generalmente precaria.
En 1903 realiza su primera Exposición en la Galería Cassirer en Berlín, un año después, cedía los derechos de venta de grabados en Alemania a Cassirer y a la Galería Cometer de Hamburgo, de óleos con varias exposiciones y tomó parte en el Salon des Indépendants. En este período fue cuando Munch empezó a alcanzar su éxito como artista. Realizó numerosas exposiciones tanto en Copenhague como en la Galería Cassirer, y la Academia de Bellas Artes de Weimar puso un estudio a su disposición.
El año 1905 fue duro para Munch, ya que pasó el invierno curándose de su neurastenia y alcoholismo.
En 1906 Max Reinhardt le encargó un diseño de los decorados para Los fantasmas y Hedda Gabler de Ibsen, así como un friso para un salón de su teatro en Berlín. Max Reinhardt, lo vendió más tarde; ahora está en la Nationalgalerie de Berlín. Tras un período anterior de paisajes, en 1907 vuelve a centrar su atención en las figuras y situaciones humanas y ya en el año 1908 expone en el Brücke de Dresde. En otoño del mismo año viaja a Copenhague; sufre allí un colapso nervioso y la mitad del año siguiente la pasa en un sanatorio.
En 1909 volvió a Noruega y Rasmus Meyer le compró un gran número de cuadros de su colección. Realizó una gran exposición en Oslo. Estos años realizó numerosos viajes a causa de sus continuas crisis nerviosas, a pesar de su éxito. Visitó Berlín, Fráncfort, Colonia, París, Londres, Estocolmo, Hamburgo, Lübeck y Copenhague.
Recibió amplios honores con ocasión de su quincuagésimo aniversario ya en 1913.
Crisis y recuperación
En el otoño de 1908, la ansiedad de Munch, agravada por el consumo excesivo de alcohol y las peleas, se agudizó. Como escribió más tarde, "Mi condición estaba al borde de la locura". Sujeto a alucinaciones y sentimientos de persecución, ingresó en la clínica de Daniel Jacobson. La terapia que Munch recibió durante los siguientes ocho meses incluyó dieta y "electrificación"; un tratamiento que estaba de moda en ese momento para las afecciones nerviosas, que no debe confundirse con la terapia electroconvulsiva.
La estancia de Munch en el hospital estabilizó su personalidad y, cuando volvió a Noruega en 1909, su obra se volvió más colorida y menos pesimista. Aligerando aún más su estado de ánimo. El público en general de Kristiania finalmente se entusiasmó con su obra y los museos empezaron a comprar sus pinturas. Todo esto coincidía con la eclosión del expresionismo en Alemania, del que Munch era heraldo general, y dentro de la crisis moral general que dio lugar a la hecatombe de la Primera Guerra Mundial.
Fue nombrado Caballero de la Real Orden de San Olav "por sus servicios en el arte". Su primera exposición estadounidense fue en 1912 en Nueva York.
Como parte de su recuperación, el Dr. Jacobson aconsejó a Munch que socializara solo con buenos amigos y que evitara beber en público. Munch siguió este consejo y en el proceso produjo varios retratos de cuerpo entero de alta calidad de amigos y mecenas, retratos honestos sin adulación. También creó paisajes y escenas de personas trabajando y jugando, utilizando un nuevo estilo optimista: pinceladas amplias y sueltas de colores vibrantes con uso frecuente de espacios en blanco y un uso poco frecuente del negro, con referencias ocasionales a sus temas morbosos. Con más ingresos, Munch pudo comprar varias propiedades que le dieron nuevas perspectivas para su arte y finalmente pudo mantener a su familia.
El estallido de la Primera Guerra Mundial encontró a Munch con lealtades divididas: "Todos mis amigos son alemanes, pero amo a Francia". En la década de 1930, sus patrocinadores alemanes, muchos judíos, perdieron sus fortunas y algunos la vida durante el surgimiento del movimiento nazi. Munch encontró impresores noruegos para sustituir a los alemanes que habían estado imprimiendo su trabajo gráfico. Dado su historial de mala salud, durante 1918 Munch se sintió afortunado de haber sobrevivido a un brote de gripe de 1918, la pandemia mundial de ese año. También en 1918, publicó un panfleto del Friso de la vida en el que incluyó sus obras maestras.
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Los siguientes años Munch decide retirarse un poco, ya que una afección ocular en el año 1930 le hace casi imposible trabajar, y recibe numerosos honores con ocasión de su septuagésimo aniversario. Pasó la mayor parte de sus últimas dos décadas en soledad en su finca, casi autosuficiente en Ekely, en Skøyen, Oslo. Muchas de sus últimas pinturas celebran la vida en la granja, incluidas varias en las que usó su caballo de trabajo "Rousseau" como modelo. Sin ningún esfuerzo, atrajo un flujo constante de modelos femeninas, a quienes pintó en numerosos desnudos. Probablemente tuvo relaciones sexuales con algunas de ellas.
Munch salía ocasionalmente de su casa para pintar murales por encargo, incluidos los realizados para la fábrica de chocolate Freia.
Hasta el final de su vida, continuó pintando autorretratos implacables, lo que se sumó a su ciclo de búsqueda de sí mismo, de su vida, y su serie inquebrantable de tomas de sus estados emocionales y físicos.
En las décadas de 1930 y 1940, los nazis etiquetaron la obra de Munch como "arte degenerado", junto con la de Picasso, Klee, Matisse, Gauguin y muchos otros artistas modernos, y retiraron sus 82 obras de los museos alemanes. Adolf Hitler anunció en 1937: "Por lo que nos importa, esos bárbaros de la cultura prehistórica de la Edad de Piedra y los tartamudos artísticos pueden regresar a las cuevas de sus antepasados y allí pueden aplicar su primitivo rascado internacional".
En 1940, los alemanes invadieron Noruega y el partido nazi se hizo cargo del gobierno. Munch tenía 76 años. Con casi una colección completa de su arte en el segundo piso de su casa, Munch vivía con el temor de una confiscación nazi. Setenta y una de las pinturas que los nazis habían tomado anteriormente habían sido devueltas a Noruega a través de la compra por parte de coleccionistas -las otras 11 nunca se recuperaron-, incluidos El grito y La niña enferma, y también se las ocultaron a los nazis.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Munch se hace mundialmente conocido y expone por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos, en 1942, en Nueva York. Con motivo de su 80 cumpleaños fue objeto de grandes homenajes. A pesar de su mal estado de salud, pues sufría continuamente resfriados, pero acudía a todos ellos con gran honor.
Munch murió en su casa de Ekely, cerca de Oslo, el 23 de enero de 1944, aproximadamente un mes después de cumplir los 80 años. Su funeral orquestado por los nazis sugirió a los noruegos que era un simpatizante de aquellos, una especie de apropiación del artista independiente. La ciudad de Oslo compró la finca Ekely a los herederos de Munch en 1946; pero su casa fue demolida incomprensiblemente en mayo de 1960.
Tras su muerte, Ekely donó a la ciudad de Oslo el conjunto de cuadros, grabados y dibujos propios que conservaba. Para celebrar el centésimo aniversario de su nacimiento, se inauguró en 1960 el Museo Munch de Oslo.
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Munch legó más de 1000 cuadros, 15.400 grabados, 4500 dibujos y acuarelas y seis esculturas a la ciudad de Oslo, que construyó el Museo Munch en el barrio de Tøyen en su honor. Las obras se costearon con la recaudación de las salas de cine de propiedad municipal, y se inauguró en 1963.
Tras el robo de El grito y Madonna, de gran resonancia internacional, se reforzaron las medidas de seguridad en 2005, de tal modo que las obras más valiosas se exhiben detrás de grandes paneles de vidrio, en expositores que recuerdan a los escaparates comerciales. Los dos cuadros citados se recuperaron con desperfectos menores, y fueron presentados provisionalmente en una vitrina, sin sus marcos, para mostrar el alcance de tales daños.
Munch careció de presencia en museos de España hasta fecha reciente. Ahora se conocen dos obras suyas: un retrato de su hermana en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid y otro retrato, en préstamo, en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) de Barcelona.
Continuará
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